Los murales nicaragüenses

Murales de Nicaragua - la colección de imágenes de la Universidad de Stanford

Los murales son una forma artística entre lo folklórico y lo académico. Hay muchas especulaciones sobre su origen. Según algunos, provienen de las tradiciones informales de pintar imágenes religiosas en los muros externos de espacios públicos, además de los murales comisionados a artistas reconocidos para los internos de las iglesias. Otros dicen que los murales han existido siempre, desde tiempos prehistóricos, a partir de los muros de cuevas de presencia humana.

Yo me inclinaría más por la tradición folklórica. Los murales latinoamericanos tienen algo que ver con los graffiti – tienen un impacto local en la comunidad, no son controlados por criterios artísticos oficiales (con excepción de la escuela muralista mexicana) y se enfocan en la expresión de mensajes políticos o sociales en ambientes públicos. Su mensaje representa no una visión artística individual sino pretende representar una comunidad.

Los murales nicaragüenses son de estilo primitivista, que enfatiza las escenas de la vida comunitaria, paisajes tropicales ricos y utopías pastorales, con colores vivos y abundancia de detalles.

Este estilo resulta muy apropiado como vehículo de su mensaje social: permite representar, de manera clara, grupos en sus entornos urbanos o conectados a la naturaleza.

Las imágenes arriba son parte de un proyecto realizado por la Universidad de Stanford. Son una colección bastante completa de fotos de murales representativos. Están divididas en varias categorías: política, niños, mitos, etc. Lo que me llama la atención:

• Cómo son representados los individuos dentro de un grupo. Aunque con énfasis en lo social, cada persona representada todavía conserva un cierto grado de individualidad.
• Las marcas geográficas: los lugares no son reconocibles como espacios específicos nicaragüenses. Podrían ser cualquier país tropical latinoamericano.

• Las mujeres son representadas y son importantes como actrices de los procesos o eventos que se representan.

• Los colores predominantes: el verde y los colores de la tierra. También azul (a la par del color del mar, es uno de los colores de la bandera nicaragüense).

• Las escenas políticas no son fácilmente reconocibles – es necesario conocer el contexto para poder entenderlas. Evidentemente los mensajes son relevantes para una situación histórica y para una comunidad específica.

¡Estas imágenes son acompañadas de actividades de estudio y se pueden usar en clase!

Aquí van más murales nicaragüenses:

Graciela Rodo Boulanger

Es una artista boliviana, cuyas pinturas se enfocan en la niñez y la infancia, pero no llevan marcas latinoamericanas, de un lugar específico y tampoco de un cierto momento histórico. Es una niñez en su representación nostálgica. Esta, por ejemplo, es una pintura de tres niñas en sus monociclos – una imagen que podría haber salido de una foto de archivo de cualquiera de los últimos cien años. Quizás esto se debe a las raíces europeos de su familia – y, de ahí, de sus memorias familiares – o al hecho que salió de Bolivia como pianista concertante a la edad de 15 años y ha vivido en Francia desde entonces.

Una característica constante del arte de Rodo Boulanger es la rotundez repetida, algo parecido al estilo de Fernando Botero. Pero esta rotundez es diferente. No da la sensacion de incomodidad ni parece pesada y barroca como la del artista colombiano. Es algo que sugiere formas simples y completas. Es como que para los niños en la imagen no existiera nada más fuera de lo que están haciendo. ¿O tienen otras impresiones de la rotundez de estos cuadros?

Hay otra característica de estas imágenes de la infancia: los niños parecen serios y solitarios. Fíjense en este retrato de una niña sentada con su gato y mirada ausente. Sus lazos se extienden en direcciones opuestas, como que sus pensamientos y sueños van por sus propios caminos libres. Pero ella misma está tranquila, contenida y sin comunicar con el mundo.

Incluso cuando se representa un grupo de niños que están haciendo algo juntos, como por ejemplo jugar a pelota o tocar musica en conjunto, la mirada de cada niño está dirigida en una dirección diferente.

Esta representación de la niñez es cautivadora y atractiva para los niños grandes que son los adultos. A veces nos gusta pensar en los niños como despreocupados, juguetones y activos y nos olvidamos de la posibilidad que se sientan solos en sus pensamientos. Posiblemente esto refleje otro detalle personal de la vida de Graciela Rodo Boulanger. Pero piensen en los momentos solitarios de su propia infancia…

Pero surge la pregunta: ¿es posible que, si es nostálgica, una representacion de la infacia la muestre como un momento de soledad y aislamiento? En otras palabras, ¿podría ser la soledad algo que nos gusta recordar?

Fernando Botero – “La Calle” (2000)

El estilo del artista colombiano Fernando Botero es tan reconocible que se ha convertido en su “marca registrada”. Parece que todos hayan visto en alguna ocasión una de sus pinturas con figuras humanas gordas, que parecen casi grotescas. En realidad, lo particular de su arte no son tanto las figuras en sí, cuanto la distorsión de perspectiva de todo en la pintura. Las figuras no son gordas, sino infladas, que parecería se sienten angustiadas en sus entornos, que dan la impresión de ser demasiado pequeños, incómodos, inestables.

He aquí su pintura “La Calle” (2000). Una calle que podría ser cualquier espacio urbano de América Latina, angosto y populoso a la vez. La calle es el espacio en que se mezclan personas de diferente origen, clase social y cultura: hombres que van a su trabajo, vendedoras que ofrecen sus mercancías, mujeres que pasean y talvez van de compra. Todo esto implica un intercambio social. Sin embargo, noten cómo los personajes en este cuadro no comunican en absoluto. Sus miradas no se conectan. Hasta la mujer que lleva de mano a un niño no parece tener ninguna conexión con él. Es más, el niño tiene tez oscura y si la mujer, de tez blanca, es su mamá, esta diferencia sería un testimonio del mestizaje latinoamericano. Sin embargo, la falta de interacción entre el niño y su mamá confirma que el mestizaje no necesariamente significa armonía entre las razas.

Evidentemente, esta imagen busca subrayar que las diferencias de clase, raza y origen no se pueden mitigar. Estas diferencias todavía llevan a aislamiento y soledad de las personas en una vida social que parece dinámica y entrelazada. El espacio público y sus relaciones son opresivos aún para aquellos que parecen estar en una posición segura y de autoridad. ¿Creen que este mensaje de Botero corresponde a la realidad, así como la observamos en América Latina de hoy?

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Las molas

En los últimos meses del 2008 y los primeros del 2009 en el área de Dallas hay una decena de exposiciones de quilts tradicionales y modernos. ¡Qué sorpresa que el Centro Cultural Latino de Dallas también presenta una exposición! Pero no de los quilts americanos tradicionalmente conocidos, sino de un tipo particular de arte parecido a los quilts: las molas, camisas que son una forma artística tradicional originaria del pueblo Kuna de Panamá. La mola es una técnica de aplicación (appliqué) reversa en el cual varias capas de tela de diferentes colores son cosidas a mano, formando diseños: formas geométricas, de plantas y animales, temas de la mitologia kuna, etc. He aquí una muchacha kuna que lleva una mola:

Foto: Rita Willaert

Las molas se asemejan a los quilts porque:

• son elaboradas por mujeres y en ellas son plasmados sus ideas y conceptos del mundo;
• sirven como objetos personales prácticos, pero con muchas posibilidades artísticas y decorativas;
• es un arte tradicional y no académico, se aprende dentro de la comunidad, de otras mujeres;
• puede ser simple o de lujo;
• la técnica que se usa es bordado de aplicación y aplicación inversa;
• se usan diferentes colores y el resultado es bastante llamativo;
• es popular entre los turistas o personas que vienen de otras culturas.

Foto: Rita Willaert

Las molas son disponibles en los mercados locales, especialmente en la Isla de San Blas en Panamá. Son la fuente de ingresos más importante del pueblo Kuna y se venden a los turistas, además de ser elaboradas para uso propio. Sin embargo, hay revendedores que compran las molas a precios bajos y las venden en los Estados Unidos o en internet a precios altísimos. Las mujeres que las hacen reciben muy poco por su difícil trabajo. ¿Cómo se podría resolver esto?

Foto: Rita Willaert

Esta es una mola con motivos geométricos o quizás de plantas. Es extraordinario el estilo fluido de su elaboración, ¿no?

Foto: Javier Volcán

Mola con motivos de animales (tucanes que viven en la isla). ¿Les gusta?

Foto: Rita Willaert

Un ser mitológico.

Foto: Klara Kim

Esta es una mola interesante que en vez de temas tradicionales representa algo que conocemos muy bien de la cultura popular de masa: los Pokémon. De alguna u otra manera, la imagen de los Pokémon ha llegado hasta las islas de los kuna. Hay algunas personas que se escandalizan por el hecho de que una imagen de la industria de entretenimiento internacional haya penetrado en la cultura tradicional de los kuna. Pero yo personalmente creo que este hecho es simplemente uno de los muchos ejemplos de mezcla de culturas que conocemos. Los mismos kunas son producto de la mezcla de la cultura indígena y la española. Las molas en realidad nacen cuando las mujeres kunas dejan de pintarse los cuerpos con coloridos diseños y comienzan a vestirse con faldas y blusas a las que transfieren los diseños pintados. Además, la incorporación de esta imagen extranea es símbolo de la vitalidad de este arte que se desarrolla, cambia e incluye nuevos fenómenos observados a su alrededor.

¿Sus opiniones?

¿Cuál de las molas les gusta más? ¿Cuál usarían para incorporar en su propio vestido o camisa?

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Día de los muertos – altares artísticos

El Día de los muertos es una de mis celebraciones favoritas, por la creatividad visual que permite al expresar sentimientos y lazos con personas difuntas. En realidad, es una de las muchas ocasiones que hay en la cultura tradicional mexicana para el arte popular. Pero específicamente, es una ocasión que celebra y explora personas y situaciones que han desaparecido, como una memoria personal visual.

El Centro Cultural Latino de Dallas organizó el año pasado una exposición artística de altares con ofrendas, creados por artistas locales. He aquí unos de los ejemplos que más me impresionaron:

Este altar abajo está dedicado a un niño. Creo que es el más emocional de la exposición.

El mismo altar, otro punto de vista:

Y éste es uno de mis favoritos: dedicado a los inmigrantes ilegales que han muerto atravesando la frontera entre México y los Estados Unidos en un punto ciego del desierto:

El altar en honor de una familia, en realidad, los padres del artista:

Este altar me encantó por su simplicidad y la sinceridad de los retratos:

Los altares en el Día de los muertos no son una ocasión especial, desconectada del resto de la vida. Son una tradición que continúa durante todo el año en los cementerios. He aquí una foto del cementerio de una de las Misiones en El Paso, donde cada tumba lleva la marca de la personalidad del difunto, creada con amor por sus parientes.

¿Cuál altar les parece el mejor del punto de vista artístico, emocional y visual?

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Las dos Fridas

Frida Kahlo (1907-1954) es una de las personalidades más fascinantes en el mundo del arte del siglo XX. Artista mexicana y compañera de Diego Rivera, ha sido una figura controversial y a la vez simbólica. Después del accidente de tráfico que le cambiaría la vida para siempre, su tema más importante es el sufrimiento, la identidad mexicana y la búsqueda de la esencia humana fuera de la vida diaria. Ya que ella misma es de origen indígena (su madre es de Oaxaca) y europeo (su padre, de ascendencia alemana), siempre une las dos perspectivas con resultados a veces sorprendentes. Su Casa Azul en la Ciudad de México hoy es transformada en museo.

He aquí su pintura Las dos Fridas (1939), en que Frida se representa como dos personas distintas, como para subrayar sus dos lados inseparables, la Frida cosmopolita y la tradicional, la fuerte y la debil. Fue creada durante el divorcio de la pintora de su esposo, Diego Rivera y revela el trauma de la separación – como si ella misma se haya dividido en dos.

Me llama la atención que la más vulnerable es la Frida vestida de manera europea. La Frida indígena (blusa y falda del estilo de Tehuana) es la que le da vida y fuerza a su mitad europea, a la vez sosteniendo en mano un pequeño retrato de Diego.

¿Cómo interpretarías la idea detrás de este cuadro?

¿Por qué la Frida fuerte es la Frida indigena?

¿Qué significado tiene este retrato de Diego en manos de la Frida fuerte – te parece un gesto de amor?

La tijera en realidad es un instrumento médico – ¿cómo podríamos interpretar su uso en el cuadro, relacionado a la experiencia de la autora?

¿Colgarías este cuadro en tu casa?

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